Margherita CaprioliLa musica elettronica ha la straordinaria capacità di evocare mondi alternativi, guidati non solo dai suoni ma anche dall’immaginario che li accompagna. Nel caso di Pianeti Sintetici, il progetto firmato da Davide Perrone (alias Primal Code), ci troviamo immersi in una visione che fonde fantascienza e letteratura, attingendo direttamente alle suggestioni di The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy di Douglas Adams e al pianeta di Magrathea, dove vengono costruiti mondi su commissione. La sua produzione, a metà strada fra l’ambient e la techno, suggerisce che ogni brano possa rivelarsi un passaggio verso un universo parallelo.
Per iniziare Davide, come è nato il progetto Pianeti Sintetici? C’è un momento preciso in cui hai sentito la necessità di creare un percorso artistico parallelo che rendesse omaggio a questi mondi futuristici e artificiali?
Il progetto Pianeti Sintetici nasce tra il 2019 e il 2020, quando ho iniziato a passare molto più tempo da solo in studio. Fino ad allora avevo sempre condiviso lo spazio di lavoro e non sentivo l’esigenza di esprimere una visione musicale completamente individuale. È stato un processo naturale, da quel momento in poi la ricerca non si è più fermata e continua a stimolarmi ogni giorno di più!
Il nome Pianeti Sintetici evoca immediatamente l’idea di un universo su misura, quasi come se stessi costruendo un cosmo sonoro personalizzato. Cosa ti ha portato a scegliere proprio questo nome e in che modo si collega alla tua estetica generale?
Il nome allude proprio all’idea di mondi artificiali costruiti su misura. Mi piace pensare che le mie produzioni siano parte integrante di questo universo personale, che sto mettendo insieme pezzo dopo pezzo. Per me, rappresenta anche un rifugio, un luogo protetto dove l’immaginazione può prendere il sopravvento sulla realtà.
Dal momento che attingi all’immaginario letterario di Douglas Adams, mi piacerebbe sapere quali altre influenze – musicali, ma anche provenienti dalla letteratura, dal cinema o dalle tue esperienze personali – hanno contribuito a plasmare il tuo approccio artistico?
Il mio approccio artistico è in continuo mutamento. Sono molto curioso e sempre alla ricerca di nuovi stimoli. L’arte visiva ha un forte impatto su di me: colleziono stampe grafiche e mi dedico alla creazione di artwork e illustrazioni. Principalmente adoro l’astrattismo geometrico, la metafisica, il suprematismo, la scuola del Bauhaus e tutte le varie declinazioni affini. Per quanto riguarda la letteratura, sto leggendo molto ultimamente e ho un piccolo gruppo di amici con cui condivido opinioni sui libri. In questo periodo sto finendo Pellegrinaggio in Oriente di Hermann Hesse. Credo che tutto questo bagaglio culturale influenzi la mia musica, dandomi nuove idee e suggestioni ogni giorno.
Quando ascolto le tue tracce, mi sembra di immergermi in paesaggi alieni, sonorità che suggeriscono creature organiche e ambienti lontani. Come nascono queste “visioni” in musica? Quanta parte del tuo lavoro consiste nell’esplorazione e nella manipolazione dei suoni, e quali strumenti – analogici o digitali – consideri indispensabili nel tuo workflow?
Alterno momenti molto metodici, in cui ho un’idea precisa di quello che voglio fare, a momenti di pura creazione estemporanea e ricerca sonora fine a se stessa. Negli anni mi sono avvicinato sempre di più a un approccio hardware con sintetizzatori analogici e modulari. Registro lunghe sessioni di improvvisazione, che poi vado a editare per creare lo scheletro della traccia finale. Il software resta adogni modo il secondo strumento più importante per lafase di mixing e arrangiamento, che reputo fondamentali.
Hai collaborato con etichette come Hypnus Records e Astral Industries. Puoi raccontarci come sono nate queste collaborazioni? Hai cercato attivamente etichette affini al tuo sound o è stato un incontro fortuito?
La collaborazione con Hypnus Records è iniziata nel 2016, quando, con Primal Code, abbiamo presentato le nostre prime demo a Michel. Lo ringrazio ancora per aver creduto nel nostro progetto allora, e per aver riposto fiducia anche in me successivamente, quando nel 2020 gli ho inviato la mia nuova musica con l’alias Pianeti Sintetici. Da lì è nata la trilogia Esplora, che oggi rappresenta le fondamenta del progetto. Astral Industries, invece, è un’etichetta straordinaria di cui sono fan da tantissimi anni. Collaborare con Ario è sempre stato un sogno nel cassetto: fin da subito ha colto l’essenza delle tracce che gli avevo inviato e mi ha guidato nella finalizzazione del progetto Space Opera.
Per quanto riguarda l’esibizione dal vivo, preferisci il live set al DJ set o viceversa? In che modo cambia il tuo rapporto con il pubblico in queste due modalità di performance? E, a proposito di performance, cosa cerchi di comunicare quando suoni?
Diversamente dal passato, oggi prediligo l’esibizione live. Ho trovato un setup essenziale, privo di fronzoli, che mi consente una connessione più diretta con il pubblico, svincolata dall’ansia di dover controllare troppi aspetti tecnici. Questo approccio mi permette di immergermi pienamente nell’esperienza performativa, in un flusso più autentico. Anche se mantenere questa intensità oltre un’ora e mezza può diventare impegnativo, per set più lunghi continuo a trovare nel DJ set una forma espressiva altrettanto valida. In entrambi i casi, mi piace modulare l’energia in base al contesto, costruendo ambienti sonori profondamente immersivi, ma arricchiti da scelte eclettiche e deviazioni impreviste, che spezzano la linearità e sottraggono il set a una dimensione troppo monotematica.
Come vivi il rapporto con il pubblico italiano rispetto a quello internazionale? Senti che ci sia una differenza sostanziale nella ricezione della tua musica e, se sì, dove credi venga compresa di più la tua poetica?
Recentemente ho abbracciato il calore del pubblico italiano in due date bellissime sul territorio: a Milano per il collettivo Acquario Immersioni e a Venezia per Opificio. In entrambi i casi ho percepito una grande risposta dal pubblico che mi ha emozionato molto. A livello internazionale posso dire di aver avuto la fortuna di partecipare esclusivamente a festival e party di settore con un pubblico musicalmente aperto che spero abbia potuto apprezzare la mia musica.
Ripercorrendo la tua discografia, da Esplora I a Bioma, in che modo senti che Pianeti Sintetici si sia trasformato nel corso del tempo? E come immagini che potrà svilupparsi in futuro?
Il mio suono è ancora in evoluzione. Tra Esplora e Bioma non percepisco grandi distanze stilistiche, ma nei lavori più recenti sento che sta avvenendo un cambiamento più profondo. Sto esplorando sonorità più aperte, sperimentando con generi diversi e cercando di andare oltre la dimensione strettamente legata al club. Ho diversi progetti in fase di finalizzazione, compresi alcuni dischi realizzati in collaborazione con artisti che stimo molto, e non vedo l’ora di condividerli.
Recentemente hai pubblicato un nuovo EP. Quale è stata la sua genesi e quali elementi lo differenziano dalle tue produzioni precedenti?
Il nuovo EP Amazzone, annunciato pochi giorni fa su Stagno Records, è il frutto di una collaborazione con Simon Oak, amico e artista italiano che stimo profondamente. Gran parte del lavoro è avvenuta a distanza, rendendo il processo inevitabilmente lungo, ma al tempo stesso profondamente voluto da entrambi. Credo che, proprio attraverso questa modalità di lavoro dilatata e riflessiva, siamo riusciti a costruire una sintesi autentica delle nostre visioni musicali. C’è una forte componente organica nei pattern percussivi, come se il ritmo si muovesse in simbiosi con un ecosistema sonoro più ampio, mentre texture stratificate e atmosfere evocative amplificano la dimensione sensoriale dell’ascolto. Dal 28 marzo sarà ufficialmente disponibile in vinile e digitale, e per noi rappresenta un punto di convergenza tra due percorsi sonori in dialogo.
C’è stato un momento nella tua carriera che consideri un vero e proprio punto di svolta, in cui hai capito di voler seguire un percorso ben preciso?
Uno dei momenti più significativi è stato il live al Positive Education Festival nel 2023. Esibirmi davanti a un pubblico così importante e inserito all’interno di una line up di massima rilevanza mi ha dato grande motivazione per continuare a lavorare e a credere fortemente nel progetto.
Mi piacerebbe concludere chiedendoti cosa stai ascoltando in questo periodo e se ti piacerebbe condividere con noi una mini playlist di brani che ti hanno influenzato di più – pezzetti di DNA sonoro.
Ecco una selezione di brani che rappresentano le mie influenze e quello che sto ascoltando attualmente:
- Packed Rich – Himenouta
- Ghost Warrior – Fracture
- The Herbaliser – A Mother (For Your Mind)
- Photek – T’Raenon (Original Mix)
- Steve Hillage – Garden Of Paradise
- Underworld – Little Speaker
- Air – Modular Mix
- Sabla – Fire/Wire
- Jonathan Fitoussi – Amazonie
- Minor Science – For Want of Gelt
- Shackleton – Death Is Not Final
ENGLISH VERSION
Electronic music has the extraordinary ability to evoke alternative worlds, guided not only by sound but also by the imagery that accompanies it. In the case of Pianeti Sintetici, the project by Davide Perrone (also known as Primal Code), we find ourselves immersed in a vision that merges science fiction and literature, drawing directly from the inspirations of The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy by Douglas Adams and the planet Magrathea, where worlds are built on commission. His production, positioned between ambient and techno, suggests that each track could serve as a gateway to a parallel universe.
To start, Davide, how did the Pianeti Sintetici project come to life? Was there a specific moment when you felt the need to create a parallel artistic path that paid homage to these futuristic and artificial worlds?
The Pianeti Sintetici project was born between 2019 and 2020 when I started spending much more time alone in the studio. Until then, I had always shared my workspace and never felt the need to express a completely individual musical vision. It was a natural process, and from that moment on, my exploration never stopped – it continues to inspire me more and more every day!
The name Pianeti Sintetici immediately evokes the idea of a tailor-made universe, almost as if you were building a personalized sonic cosmos. What led you to choose this name, and how does it connect to your overall aesthetic?
The name directly alludes to the idea of artificial worlds built to measure. I like to think of my productions as an integral part of this personal universe, which I am assembling piece by piece. For me, it also represents a refuge, a protected space where imagination can take precedence over reality.
Since you draw inspiration from the literary imagination of Douglas Adams, I’d love to know what other influences – musical, literary, cinematic, or personal experiences – have contributed to shaping your artistic approach?
My artistic approach is constantly evolving. I’m very curious and always seeking new stimuli. Visual art has a strong impact on me – I collect graphic prints and dedicate myself to creating artwork and illustrations. I’m particularly drawn to geometric abstraction, metaphysics, suprematism, the Bauhaus school, and all their related forms and variations. As for literature, I’ve been reading a lot lately, and I have a small group of friends with whom I regularly exchange thoughts on books. At the moment, I’m finishing Journey to the East by Hermann Hesse. I believe that all this cultural background deeply influences my music, constantly giving me new ideas and inspirations.
When I listen to your tracks, I feel like I’m immersing myself in alien landscapes, with sounds that suggest organic creatures and distant environments. How do these “visions” in music come to life? How much of your work is dedicated to sound exploration and manipulation, and which instruments – analog or digital – do you consider essential in your workflow?
I alternate between highly methodical moments, where I have a clear idea of what I want to create, and moments of pure spontaneous creation and sound exploration for its own sake. Over the years, I’ve increasingly embraced a hardware-based approach, working with analog and modular synthesizers. I record long improvisation sessions, which I later edit to shape the skeleton of the final track. Software still remains the second most important tool in my process, especially for the mixing and arrangement phases, which I consider essential.
You have collaborated with labels such as Hypnus Records and Astral Industries. Can you tell us how these collaborations came about? Did you actively seek out labels that aligned with your sound, or was it a fortuitous encounter?
The collaboration with Hypnus Records began in 2016, when, as Primal Code, we presented our first demos to Michel. I’m still grateful to him for believing in our project back then, and for placing his trust in me once again later on, when in 2020 I sent him my new music under the alias Pianeti Sintetici. That’s when the Esplora trilogy was born, which now represents the foundation of the project. Astral Industries, on the other hand, is an extraordinary label I’ve been a fan of for many years. Collaborating with Ario had always been a dream of mine he immediately grasped the essence of the tracks I had sent him and guided me through the finalization of the Space Opera project.
When it comes to live performances, do you prefer a live set over a DJ set, or vice versa? How does your relationship with the audience change between these two performance modes? And speaking of performances, what do you aim to communicate when you play?
Unlike in the past, I now prefer to perform live. I’ve found an essential, no-frills setup that allows for a more direct connection with the audience, free from the pressure of managing too many technical parameters. This approach enables me to fully immerse myself in the performative experience, entering a more authentic flow. Although sustaining this intensity beyond an hour and a half can be challenging, for longer sets I still find the DJ set to be an equally valid form of expression. In both cases, I enjoy adjusting the energy based on the context, crafting deeply immersive sound environments, enriched by eclectic selections and unexpected detours that break linearity and keep the set from becoming too one-dimensional.
How do you experience your relationship with the Italian audience compared to the international one? Do you feel there is a significant difference in the way your music is received? If so, where do you think your artistic vision is best understood?
Recently, I have embraced the warmth of the Italian audience during two incredible events: one in Milan for the Acquario Immersioni collective and another in Venice for Opificio. In both cases, I felt a strong response from the audience, which moved me deeply. On an international level, I’ve been fortunate to take part exclusively in festivals and specialized events, where the audience tends to be musically open-minded. I hope they were able to fully appreciate my music.
Looking back at your discography, from Esplora I to Bioma, how do you feel that Pianeti Sintetici has evolved over time? And how do you envision its development in the future?
My sound is still evolving. Between Esplora and Bioma, I don’t perceive major stylistic differences, but in my more recent work, I feel a deeper shift taking place. I’m exploring broader soundscapes, experimenting with different genres, and trying to move beyond the strictly club-oriented dimension. I have several projects in the final stages, including some records made in collaboration with artists I truly admire, and I can’t wait to share them.
You recently released a new album. What was its genesis, and what elements set it apart from your previous productions?
The new EP Amazzone, announced a few days ago on Stagno Records, is the result of a collaboration with Simon Oak, a close friend and Italian artist I deeply admire. Most of the work was done remotely, making the process inevitably long, yet deeply intentional for both of us. I believe that this slow and reflective working method allowed us to build an authentic synthesis of our musical visions. There is a strong organic component in the percussive patterns, as if the rhythm moves in symbiosis with a broader sonic ecosystem, while layered textures and evocative atmospheres enhance the sensory dimension of the listening experience. Officially available in vinyl and digital from March 28, the EP represents a point of convergence between two sonic paths in dialogue.
Was there a moment in your career that you consider a true turning point, where you realized you wanted to follow a specific path?
One of the most significant moments was my live performance at the Positive Education Festival in 2023. Playing in front of such an important audience and being part of a highly relevant lineup gave me great motivation to keep working and to strongly believe in the project.
Finally, I’d like to wrap up by asking what you’ve been listening to lately. Would you like to share a mini playlist of tracks that have influenced you the most – pieces of your sonic DNA?
Here is a selection of tracks that represent my influences and what I am currently listening to:
- Packed Rich – Himenouta
- Ghost Warrior – Fracture
- The Herbaliser – A Mother (For Your Mind)
- Photek – T’Raenon (Original Mix)
- Steve Hillage – Garden Of Paradise
- Underworld – Little Speaker
- Air – Modular Mix
- Sabla – Fire/Wire
- Jonathan Fitoussi – Amazonie
- Minor Science – For Want of Gelt
- Shackleton – Death Is Not Final