CoH ci parla del nuovo album su Noton e ci regala l’anteprima di “Gear Chill Spell”

CoH ci parla del suo nuovo disco “WYGG” in uscita il prossimo 29 aprile su Noton, regalandoci un’esclusiva anteprima della traccia “Gear Chill Spell”.

CoH, al secolo Ivan Pavlov, è una certezza nel catalogo di Noton. Il 29 aprile firma un ritorno atteso da tutti, in particolare da coloro che trovano nelle sperimentazioni di Pavlov nuove suggestioni musicali e la capacità di saper reinventare qualsiasi strumento musicale.

“WYGG” è un lavoro che incentra il suo sviluppo sulle infinite applicazioni della chitarra. E che riesce ancora una volta ad amalgare nel migliore dei modi strumenti digitali ed analogici, in nove tracce da ascoltare tutte d’un fiato.

La musica di Ivan non è mai stata così trascendentemente terrena: patner ultraterreni incontrano melodie organiche e vibranti. L’ambient diventa pop, l’astrazione si trasforma in concretezza sonora dentro i tessuti sonori che Pavlov costruisce sapientemente.

Abbiamo parlato con il dj nativo russo ma stabilito dal 1995 a Stoccolma di tantissime cose: dai Beatles ai Soft Cell, da Tom Waits ad Ann Demeleumeester. CoH in cirillico significa sogno. Ed il sogno musicale di CoH è più vivo che mai. Vi lasciamo alla lettura di questa bellissima chiacchierata.

Ciao Ivan. Benvenuto su Parkett. Come stai e come stai affrontando il ritorno alla normalità post-pandemia?

Tutto bene qui, grazie. La pandemia è stata un’occasione perfetta per concentrarmi sul lavoro in studio, quindi mi sono tenuto piuttosto impegnato. Tra la pubblicazione di un album dei COH MUSIC VO nel 2020 e la registrazione di una collaborazione con Abul Mogard l’anno scorso ho trovato il tempo per finalizzare e pubblicare l’album “Soisong” da tempo pianificato. Chiamato kAm1e – un lavoro che Peter Christopherson ed io abbiamo iniziato nel 2007. Aggiungete a questo il nuovo album dei COH WYGG, è stato un periodo molto produttivo. Ora che tutto questo lavoro è pronto, è bello poter guardare avanti di nuovo.

Nella tua formazione so che due pilastri sono lo studio degli strumenti classici, pianoforte e chitarra, e la fisica e la matematica. In che modo questi due aspetti sono correlati e in che modo influenzano il tuo lavoro oggi?

Gli studi universitari, da un lato, danno una visione alquanto razionale di cosa sia il suono e di come i suoi vari aspetti possano influenzare la percezione dell’ascoltatore. D’altra parte, in matematica c’è un certo senso di poesia peculiare, che credo possa ampliare o esaltare la poesia insita nella musica. Fin dai tempi dell’università, per circa 20 anni ho evitato consapevolmente gli strumenti tradizionali.

In un certo senso mi sono tuffato nei domini digitali, studiando il suono, guardandolo da diverse angolazioni, infine costruendo dei ponti di ritorno al pianoforte e alla chitarra, per capirli come acustici strumenti. Questo tipo di “curiosità retrospettiva” è finita occasionalmente negli album dei COH, inclusi Seasons nel 2004, Strings nel 2007, IIRON nel 2012 e, più recentemente, MUSIC VO e WYGG.

Il tuo lavoro si concentra sulle molteplici sfaccettature del suono e sulle sue infinite potenzialità. Un lavoro di ricerca e perfezione. Hai un metodo predeterminato e come lavori in studio per migliorare approfondire questi aspetti?

Non è un gran metodo, la maggior parte delle volte vado in studio e mi siedo al computer, cercando di produrre un suono singolo che mi attiri, dato lo stato d’animo attuale. Una volta trovato, questo finirebbe per espandersi in una serie di suoni di accompagnamento, che insieme suggeriranno una progressione, una composizione..

Si può dire che la musica è “improvvisata”, tranne che l’improvvisazione non è del tipo più comune, semplicemente perché  prima DI  sederti non c’è alcun suono pre-creato con cui operare. È più un’improvvisazione che ha origine a livello di creazione del suono, o, in termini classici, a livello di creazione dello strumento. Con un computer si può essere sia uno Stradivari che un Paganini, padroneggiando sia la creazione degli strumenti che le melodie per suonarli.

Parliamo del titolo dell’album WYGG acronimo di While My Guitar Gently Weeps in onore dei Beatles. Perché questo riferimento e quanto la chitarra è preponderante in questo album?

Era inteso piuttosto come un gioco di parole umoristico anti-Beatles, con Tom Waits e il suo stile anni ’80 al centro. WYGG suggerisce “Mentre la tua chitarra piange dolcemente, la mia sta facendo qualcosa di completamente diverso”.

Mi sento sempre piuttosto ispirato quando interagisco con gli strumenti classici che studiavo. Avendo perso tutte le abilità, non riesco più a suonare nulla di coerente, ma mi sento in risonanza con lo strumento e sento di poterlo toccare “nel modo giusto”. Forse è qui che entra in gioco la connessione tra musica e ingegneria, al tocco dello strumento. Credo che uno strumento classico ben costruito suonerà sempre bello una volta toccato “nel modo giusto”.

Quindi, tornando a Tom Waits – se guardi i dischi come Swordfishtrombones o Rain Dogs, potresti sentire musicisti molto abili suonare primitivi, a volte grezze, linee primordiali. Come se avessero perso le loro abilità, proprio come me – c’è questo senso di “sincera imperfezione” nelle loro esibizioni. Ma poiché tutti sanno “il tocco giusto”, il risultato è molto espressivo. Questa è l’idea con cui ho suonato su WYGG, dove tutte le linee di chitarra sono semplicistiche, molto basilari, eppure suonarle mi ha fatto sentire in risonanza con lo strumento.

Tutti gli arrangiamenti risultanti hanno lo scopo di amplificare queste risonanze in modo che si facciano strada anche tra il pubblico. In effetti, anche l’abbreviazione WYGG, la parola stessa – il modo in cui appare e suona – per me porta questa atmosfera di Tom Waits, quella di Underground, se conosci la canzone.. Beh, forse speculando su tutto ciò che sono stavo solo cercando una scusa per le mie scarse abilità chitarristiche.

Noton è l’etichetta che ha sempre abbracciato la tua idea innovativa di musica. Quali sono le emozioni e i sentimenti che provi quando presenti un nuovo lavoro discografico per un’etichetta così importante per il tuo musical storia?

Carsten Nicolai mi telefonò per la prima volta in una nevosa domenica del 1997, dopo aver ascoltato un paio dei primi brani dei COH che Mika Vainio gli aveva suonato. Carsten si presentò, mi parlò di Noton e Rastermusic, che all’epoca erano etichette discografiche separate, e mi mandò un pacchetto delle loro uscite. Ho accettato felicemente l’invito e ho finito per registrare ENTER TINNITUS, an alb um per aprire la nuova serie di pubblicazioni “raster-static”, che alla fine ha unito le due etichette e ha iniziato una relazione piuttosto lunga tra noi tutti.

Questo è stato quello che si può chiamare un “tempo pre-Ableton”, un periodo abbastanza magico ed eccitante. Quella che ora conosciamo come “musica per laptop” stava appena iniziando a svilupparsi, alla ricerca delle sue forme e degli strumenti, con molte idee eccitanti nell’aria . Oggi, 25 anni dopo, l’uscita su Noton ha naturalmente l’eco del tempo per me e sembra un po’ un “ritorno a casa” – in particolare perché Carsten appare entusiasta del nuovo suono e della nuova musica come il giorno in cui per la prima volta ci sentimmo. Quindi, sì.

Il disco segue uno sviluppo naturale nella sua tracklist, da armonie e melodie, al pop astratto a suoni più minimali. Come riesci a far coesistere più anime e generi musicali all’interno di una tracklist?

Non lo so. Non penso molto alla coerenza. Forse, dal momento che sono guidato da una certa idea, una curiosità per qualcosa di specifico – come l’immagine “WYGG” – c’è un terreno comune che unisce i pezzi indipendentemente dall’umore che mi ha catturato in studio per ciascuna delle tracce.

HEAT nasce da una cover Soft Cell. Come è nata l’idea di rielaborare questo disco del 1980 in modo innovativo?

Ho sempre amato i Soft Cell e la canzone, e volevo celebrare quell’amore – sono sicuro che è stato uno di quelli influenze più forti nel diventare il tipo di musicista che sono. Il testo della canzone trapela con un decadimento irreversibile, è veramente The Art Of Falling Apart [il titolo dell’album su cui compare la canzone]. L’originale è un successo dance oscuro e sexy, in cui la musica sembra potenziare senza pietà la performance vocale forte e drammatica di Marc.

Volevo provare a fare il contrario. Per illustrare il decadimento dell’estetica di WYGG, alla ricerca di quel tipo di imperfezione espressiva in una performance difettosa. Non credo ci sia nulla di particolarmente innovativo nel mio remake, è semplicemente un tentativo di fare una versione “impotente”, dove la voce e l’arrangiamento sono deboli, difettosi, privi di energia, letteralmente “a pezzi”. In contrasto con l’originale che fa battere il cuore, penso che questa versione di WYGG sia più una ninna nanna cantata male.

La premiere che abbiamo oggi su Parkett è “Gear Chill Spell”. Qual è stata la genesi di questo brano e perché hai voluto farcelo ascoltare in anteprima qui su Parkett?

La traccia sembra in qualche modo rappresentativa dell’album nel suo insieme, in quanto combina diverse angolazioni presenti nelle altre tracce. L'”incantesimo” è nella linea di chitarra, che sembra raffreddare i pattern ritmici altrimenti piuttosto accesi, o gli “ingranaggi”. Ad essere sincero, ero un po’ perplesso quando i primi loop ritmici sono emersi dal computer, sembrava che sarebbe stato difficile trovare una linea di chitarra da abbinare. Poi ho preso la chitarra e mi è venuto in mente questo un schema rilassante, piuttosto insignificante, simile a un mantra, e mi è piaciuto il modo in cui si fondevano, quindi l’ho lasciato nel mix.

Hai collaborato con tantissimi artisti tra cui Annie Anxiety, Richard Chartier e Ann Demeulemeester. A proposito di quest’ultima, vorrei sapere di più su questa collaborazione e cosa ne pensi del legame tra moda e musica elettronica, che ormai è decisamente indissolubile.

Nel 2011 Ann Demeulemeester ha utilizzato due brani COH per illustrare la sua collezione Uomo, metà della collezione bianca, l’altra metà – nera, un “esercizio a colori”, come diceva lei una volta. Ci siamo messi in contatto e quando ho sentito parlare per la prima volta Ann, ho subito pensato di fare un pezzo per la sua voce. Ann ha una voce bella, profonda, spettralmente ricca con una forte identità – sono stato molto felice quando ha accettato. Quindi, per continuare la storia da cui il mio lavoro ha incontrato il suo, il pezzo che abbiamo fatto insieme si chiama Exercise In Colour. Musicalmente nasce da un sogno che ho fatto, in cui le modelle hanno camminato sulla passerella di Ann al suono del metronomo accompagnato da accordi casuali di pianoforte.

Per inciso, su WYGG c’è anche un pezzo legato alla moda chiamato Bolero With Ola. L’abbiamo registrato con Ola Rudnicka, meglio conosciuta per il suo lavoro di modella con Chanel: i testi riflettono il fascino e le disillusioni del mondo della moda nel modo in cui potrebbe averlo visto. Per quanto riguarda il legame tra moda e “musica avventurosa”, il termine ritengo sia più appropriato alla domanda che “elettronico” [la musica elettronica può essere estremamente noiosa] – ovviamente, la connessione è inevitabile.

Ci sono alcune forze nella moda con l’ambizione di fare affermazioni estetiche coraggiose e fresche. È naturale che queste forze siano alla ricerca di musica altrettanto fresca e audace. Sono loro? In entrambi i casi, desideriamo che il mondo della musica mantenga un numero sufficiente di artisti che si sforzano di creare qualcosa di nuovo: un giorno anche loro avranno la possibilità di essere alla moda!

Ultima domanda. Quali sono i tuoi progetti per il prossimo futuro?

Ci sono due “collaborazioni pandemiche” che dovrebbero essere pubblicate verso la fine dell’anno, una a il Regno Unito, con Abul Mogard, uno in Francia – con Sasha Galianov noto per il suo lavoro in un band chiamata Shortparis. In questo momento sto lavorando alla colonna sonora di un nuovo videogioco in sviluppo – credo che ci vorranno un anno o due, quindi in parallelo sto pensando al prossimo album dei COH… come sempre!

Grazie per essere stato nostro ospite.

Tracklist WYGG

1 Fear Into Dust

2 WYGG (for Tom Waits)

3 Forgotten Journey To

4 Bolero

5 Gear Chill Spell

6 Arrows of Faith

7 WYGG Coda

8 Bolero with Hola

9 Heat

ENGLISH VERSION

Hi Ivan. Welcome to Parkett. How are you and how are you coping with the post-pandemic return to normal?

In your training I know that two pillars are the study of classical instruments, piano and guitar, and physics and mathematics. How are these two aspects related and how do they influence your work today?

The university studies, on one side, give a somewhat rational insight into what sound is and how its various aspects can affect the listener’s perception. On the other hand, in mathematics there’s a certain sense of peculiar poetry, which I believe can expand, or enhance the poetry inherent in music.

Since the university days, for some 20 years I have been consciously avoiding traditional instruments, sort of diving into the digital domains, studying sound, looking at it from different angles, eventually building some bridges back to piano and guitar, to understanding them as acoustic instruments. This kind of “retrospective curiosity” occasionally ended up on COH albums, including Seasons in 2004, Strings in 2007, IIRON in 2012 and, most recently, MUSIC VO and WYGG.

Your work focuses on the many facets of sound and its infinite potential. A work of research and perfection. Do you have a predetermined method and how do you work in the studio to better
investigate these aspects?

It’s not much of a method, most of the time I just go into the studio and sit at the computer, trying to produce a single sound that would appeal to me, given the current state of mind. Once found, this would eventually expand into an array of accompanying sounds, which together will suggest a progression, a composition..

One can say the music is “improvised”, except the improvisation is not of the most common type, simply because when I first sit down there is no pre-created sound to operate with. It’s more of an improvisation that originates at the level of creation of sound, or, in classical terms, at the level of creation of the instrument. With a computer, one can be both a Stradivari and a Paganini, mastering skills of both creating the instruments and the melodies to play with them.

Let’s talk about the title of the album WYGG acronym of While My Guitar Gently Weeps in honor of the Beatles. Why this reference and how much the guitar is preponderant in this album?

It was meant rather as a humorous anti-Beatles pun, with Tom Waits and his 80-ies style in focus. WYGG suggests “While Your Guitar Gently weeps, mine is doing something completely different”. I always feel quite inspired when interacting with the classical instruments I used to study. Having lost all the skills, I can no longer play anything coherent, but I do feel resonant with the instrument, and I feel I can touch it “the right way”. Maybe this is where the connection between music and engineering comes in – at the touch of the instrument. I believe, a well built classical instrument will always sound beautiful once touched “the right way”.

So, back to Tom Waits – if you look at the records like Swordfishtrombones or Rain Dogs, you would hear very skilled musicians playing primitive, at times crude, primal lines. As if they have lost their skills, just like me – there’s this sense of “sincere imperfection” in their performances. But since they all they know “the right touch”, the result is very expressive.

Which is the idea that I played with on WYGG, where all guitar lines are simplistic, very basic, yet playing them made me feel resonant with the instrument, and all the resulting arrangements are intended to amplify these resonances so that they make their way to the audience, too. In fact, even the abbreviation WYGG, the word itself – the way it looks and sounds – to me it carries this Tom Waits vibe, that of Underground, if you know the song.. Well, maybe speculating on all that I am just looking for an excuse to my poor guitar skills.

Noton is the label that has always embraced your innovative idea of music. What are the emotions and feelings you feel when you present a new record work on a label that is so important for your musical
history?

Carsten Nicolai first phoned me up on a snowy Sunday in 1997, after hearing a couple of early COH tracks that Mika Vainio played to him. Carsten introduced himself, told me about Noton and Rastermusic, which were separate record labels back then, and he sent over a package of their releases. I happily accepted the invitation, and ended up recording ENTER TINNITUS, an album to open the new “raster-static” series of releases, which eventually united the two labels and started a rather long relationship between us all.

This was what one can call a “pre-Ableton time”, quite a magical and exciting period – what we now know as “laptop music” was only beginning to develop, looking for its shapes and instruments, with many exciting ideas in the air. Today, 25 years later, to release on Noton naturally has the echoes of the time to me, and feels somewhat of a “homecoming” – particularly as Carsten appears as enthusiastic and as excited about new sound and music as back on the day he first called. So, yes, it does feel warm.

The record follows a natural development in its tracklist, from harmonies and melodies, to abstract pop to more minimal sounds. How do you manage to make multiple anime and musical genres coexist within a tracklist?

I don’t know. I don’t think much about coherence. Perhaps, since I’m driven by a certain idea, a curiosity for something specific – like the “WYGG” image – there’s a common ground that unites the pieces regardless of what mood caught me in the studio for each of the tracks.

HEAT was born from a Soft Cell cover. How did this idea to re-edit this 1980s hit in an innovative way?

I have always loved Soft Cell and the song, and I wanted to celebrate that love – I am sure it has been one of the
stronger influences in my becoming the kind of musician I am. The lyrics of the song leak with irreversible decay, it is truly The Art Of Falling Apart [the title of the album the song appears on]. The original is a dark, sexy dance hit, in which the music seems to mercilessly empower Marc’s loud, dramatic vocal performance.

I wanted to try and make the opposite. To illustrate the decay in the aesthetics of WYGG, looking for that kind of expressive imperfection in a faulty performance. I don’t think there is anything particularly innovative in my re-make, it’s simply an attempt at making a “powerless” version, where voice and the arrangement are weak, faulty, lacking in energy, literally “falling apart”. In contrast with the heart-pumping original, I think this WYGG version is more of a poorly sung lullaby.

The premiere we have today on Parkett is “Gear Chill Spell”. What was the genesis of this track and why did you want to preview it here on Parkett?

The track seems somewhat representative of the album as whole, as it combines several different angles present in the other tracks. The “spell” is in the guitar line, which appears to cool down the otherwise fairly heated rhythmical patterns, or the “gears”. To be honest, I was a little puzzled when the first rhythmical loops emerged from the computer, it looked like it would be difficult to find a guitar line to match.. but then I took the guitar and it came up with this a relaxing, rather meaningless mantra-like pattern, and I liked the way they merged, so I let it into the mix.

You have collaborated with tons of artists including Annie Anxiety, Richard Chartier and Ann Demeulemeester. About the latter, I’d like to know more about this collaboration and what do you think about the link between fashion and electronic music, which is now definitely indissoluble.

Back in 2011 Ann Demeulemeester used two COH tracks to illustrate her Men’s collection, half of the collection
white, the other half – black, an “exercise in colour” as she once put it. We got in touch, and when I first heard Ann talk, I immediately thought about making a piece for her voice. Ann has a beautiful, deep, spectrally rich voice with a strong identity – I was very happy when she accepted. So to continue the story from where my work met hers, the piece we did together is called Exercise In Colour.

Musically it originates from a dream I had, where models walked Ann’s runway to the sound of metronome accompanied by random piano chords. Incidentally, on WYGG there is also a fashion-related piece called Bolero With Ola. We recorded this with Ola Rudnicka, better known for her model work with Chanel – the lyrics reflect on the charms and disillusions of the fashion world the way she might have witnessed it. As for the link between fashion and “adventurous music”, the term I feel is more appropriate to the question than “electronic” [electronic music can be extremely boring] – obviously, the connection is unavoidable.

There are certain forces in fashion with the ambition of making brave, fresh aesthetical statements. It’s only natural that these forces should be on the look-out for music that is equally fresh, daring. Are they? In either case, let’s wish the music world maintains a sufficient number of artists striving to make something new – one day they have a chance to be in fashion, too!

Last question. What are your plans for the near future?

There are two “pandemic collaborations” that should be coming out on record towards the end of the year, one in the UK, with Abul Mogard, one in France – with Sasha Galianov known for his work in a band called Shortparis. Right now I’m working on a soundtrack to a new video game in development – I believe this will take a year or two, so in parallel I’m thinking about the next COH album.. as always!

Thank you for being our guest

Tracklist WYGG

1 Fear Into Dust

2 WYGG (for Tom Waits)

3 Forgotten Journey To

4 Bolero

5 Gear Chill Spell

6 Arrows of Faith

7 WYGG Coda

8 Bolero with Hola

9 Heat