Hannes Bieger presenta un nuovo album che mescola orchestrazioni sinfoniche e suoni elettronici, offrendo uno spunto interessante sull’evoluzione della scena contemporanea. Ecco a voi l’intervista esclusiva.

La musica elettronica è in continua evoluzione e Hannes Bieger ne è uno dei protagonisti indiscussi. Ingegnere del suono di fama mondiale, produttore e live performer, ha portato il suo sound ad un nuovo livello con “Galaxies”, un album che unisce la potenza della musica sinfonica all’energia della club culture.

Dopo averlo presentato con un’orchestra di 30 elementi in Costa Rica, ora lo porta nei club di tutto il mondo.

In questa intervista esclusiva Bieger ci racconta il suo viaggio sonoro, il suo setup live e la sua visione della scena elettronica contemporanea.

Ciao Hannes, benvenuto su Parkett! Come va? Quest’anno è iniziato bene per i tuoi progetti artistici?

Ciao, grazie per l’invito! Il mio nuovo album è uscito a fine gennaio ed è stato emozionante vedere come è stato accolto dal pubblico. Dopo una breve pausa invernale, ho ripreso gradualmente a fare tour e sto lavorando a nuova musica con un approccio leggermente diverso. Quindi, dal punto di vista musicale, è un periodo davvero entusiasmante!

“Galaxies” segna un capitolo audace nel tuo percorso creativo. Cosa ha ispirato questo cambiamento e in cosa si differenzia dai tuoi lavori precedenti?

Ho scritto l’album per una performance con l’Orquesta Filarmonica in Costa Rica a fine anno scorso, un’orchestra sinfonica di 30 elementi. Il mio ultimo album da artista prima di “Galaxies”, uscito nel 2020, era molto incentrato sui synth modulari. La mia “Balance Series” del 2022 era invece concepita come un set continuo che fondeva tracce diverse. “Galaxies” ha un tocco più melodico e delicato, pensato tanto per l’ascolto quanto per la danza. Anche i brani strumentali senza voci sono, in un certo senso, delle “canzoni”.

Sei molto conosciuto per il tuo sound design meticoloso e le performance immersive. Come porti gli elementi cinematografici di “Galaxies” nei tuoi live?

Con l’orchestra è stato semplice: non c’è nulla di più cinematografico! Ovviamente, quella è stata un’esperienza speciale. Nei miei live show tradizionali non suono tutte le tracce dell’album, ma le combino con altro materiale. Portare in scena musica così melodica da solo è una sfida: sarebbe più facile con una band. Ma ho trovato un modo per farlo funzionare, e una cosa è certa: non mi vedrete mai esibirmi senza almeno un synth Moog!

“Black Hole” è già un club favorite nei tuoi set. Cosa la rende speciale e come si inserisce nella storia dell’album?

È stata la traccia che ha dato il via all’idea dell’etichetta Elektrons e poi dell’album stesso. Ha un groove ipnotico ed una qualità senza tempo che non si può pianificare, ma che a volte semplicemente… accade. Alcuni l’hanno paragonata ai lavori di leggende come Giorgio Moroder o Jean-Michel Jarre, e ho ricevuto complimenti da artisti iconici come Gary Numan. Questo dimostra come un singolo momento di ispirazione possa cristallizzare tante emozioni.

Suonare con l’Orchestra Filarmonica della Costa Rica deve essere stata un’esperienza unica! Com’è stato?

Senza dubbio, è stato il concerto più incredibile della mia carriera. L’orchestra è un vero tesoro nazionale in Costa Rica e suonare davanti a 5000 persone entusiaste è stato memorabile. Ma il momento più toccante è stato durante le prove: trovarmi in mezzo a 30 musicisti straordinari che eseguivano le linee che avevo composto è stato un fulmine a ciel sereno. Per un musicista, è l’apice assoluto.

I synth modulari sono fondamentali nel tuo suono. Qual è il tuo attuale setup live?

Posso portare in tour solo ciò che riesco a trasportare da solo, quindi sono un po’ al limite! L’unico synth modulare che uso è il Moog DFAM, ma il Sub 37 ed il Prophet 6 hanno capacità di modulazione incredibili. Riesco a creare suoni che alcuni attribuirebbero ai moduli, ma senza necessariamente usare un setup modulare complesso.

Sei passato dall’essere un ingegnere del suono richiesto a un live performer acclamato. Quali sono state le maggiori sfide?

Ero musicista e produttore prima di diventare ingegnere del suono. In studio l’ambiente è sereno, con artisti che condividono la stessa passione. L’industria dei live, invece, è molto più dura, con persone che pensano solo al proprio tornaconto. Fortunatamente, la mia agenzia Analog lavora nel rispetto di tutti, ma non è sempre così.

Hai suonato a eventi leggendari come Ultra e Awakenings. Quale show ti ha colpito di più?

Difficile sceglierne uno, ma l’orchestra in Costa Rica è stata speciale. In generale, meno telefoni ci sono, migliore è la festa! Berlino è ancora incredibile sotto questo aspetto e il Fusion Festival ne è l’esempio perfetto.

La musica elettronica diventa sempre più frenetica ed orientata al business. Tu invece sottolinei il valore dell’arte e della comunità. Come resti fedele a questi principi?

Semplicemente, lo faccio. Ma a volte è difficile. Ho postato un video di Carl Cox a Fabrik Madrid mentre suonava un momento bellissimo, ma senza un drop clamoroso. Alcuni commenti lo definivano “noioso”. Questo mi ha rattristato: la musica non deve essere solo hype e momenti virali. Credo ancora che l’arte debba avere il primo posto.

Hannes Bieger continua a stupire con il suo approccio autentico alla musica e la sua visione artistica unica. “Galaxies” è una prova del suo talento e della voglia di esplorare continuamente nuovi orizzonti sonori.

Che si tratti di un’orchestra o di un dancefloor, il suo viaggio musicale è appena iniziato.

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ENGLISH VERSION

Hannes Bieger: “Music should not be just hype”

Hannes Bieger presents a new album that blends symphonic orchestrations and electronic sounds, offering an interesting perspective on the evolution of the contemporary scene. Here is the exclusive interview.

Electronic music is constantly evolving and Hannes Bieger is one of its undisputed protagonists. A world-renowned sound engineer, producer, and live performer, he has taken his sound to a new level with Galaxies, an album that combines the power of symphonic music with the energy of club culture. After debuting it with a 30-piece orchestra in Costa Rica, he is now bringing it to clubs around the world.

In this exclusive interview, Bieger shares his sonic journey, his live setup, and his vision of the contemporary electronic scene.

Hi Hannes, welcome to Parkett! How are you? Has the new year started well for your artistic projects?

Hi, thanks for the invitation! My new album came out at the end of January, and it was exciting to see how it was received. After a short winter break, I gradually got back into touring and I’m working on new music with a slightly different approach. So, from a musical standpoint, it’s a really exciting time!

“Galaxies” marks a bold chapter in your creative journey. What inspired this change, and how does it differ from your previous work?

I wrote the album for a performance with the Orquesta Filarmonica in Costa Rica at the end of last year, a 30-piece symphonic orchestra. My last artist album before “Galaxies”, released in 2020, was heavily focused on modular synths. My Balance Series from 2022 was conceived as a continuous set blending different tracks. “Galaxies” has a more melodic and delicate touch, made for both listening and dancing. Even the instrumental tracks without vocals are, in a way, “songs.”

You are known for your meticulous sound design and immersive performances. How do you bring the cinematic elements of “Galaxies” into your live shows?

With the orchestra, it was easy: there’s nothing more cinematic! Of course, that was a special experience. In my traditional live shows, I don’t play all the tracks from the album, but I mix them with other material. Bringing such melodic music to the stage on my own is a challenge: it would be easier with a band. But I’ve found a way to make it work, and one thing is certain: you’ll never see me perform without at least one Moog synth!

“Black Hole” is already a club favorite in your sets. What makes it special, and how does it fit into the album’s story?

It was the track that sparked the idea for the Elektrons label and then the album itself. It has a hypnotic groove and a timeless quality that can’t be planned, but sometimes… it just happens. Some have compared it to the work of legends like Giorgio Moroder or Jean-Michel Jarre, and I’ve received compliments from iconic artists like Gary Numan. This shows how a single moment of inspiration can crystallize so many emotions.

Playing with the Orquesta Filarmonica of Costa Rica must have been a unique experience! How was it?

Without a doubt, it was the most incredible concert of my career. The orchestra is a true national treasure in Costa Rica, and playing in front of 5,000 excited people was unforgettable. But the most touching moment was during the rehearsals: being surrounded by 30 incredible musicians performing the lines I had composed was a lightning bolt. For a musician, it’s the absolute pinnacle.

Modular synths are fundamental to your sound. What is your current live setup?

I can only bring what I can transport on my own, so I’ve reached my limit! The only modular synth I use is the Moog DFAM, but the Sub 37 and Prophet 6 have incredible modulation capabilities. I can create sounds that some would attribute to modules, but without necessarily using a complex modular setup.

You’ve transitioned from being a sought-after sound engineer to an acclaimed live performer. What have been the biggest challenges?

I was a musician and producer before becoming a sound engineer. In the studio, the environment is calm, with artists sharing the same passion. The live industry, on the other hand, is much tougher, with people thinking only of their own gain. Fortunately, my agency, Analog, works with respect for everyone, but it’s not always like that.

You’ve performed at legendary events like Ultra, and Awakenings. Which show has had the biggest impact on you?

It’s hard to choose one, but the orchestra in Costa Rica was special. In general, the fewer phones there are, the better the party! Berlin is still incredible in this regard, and the Fusion Festival is the perfect example.

Electronic music is becoming increasingly frantic and business-oriented. You, however, emphasize the value of art and community. How do you stay true to these principles?

I simply do it. But sometimes it’s difficult. I posted a video of Carl Cox at Fabrik Madrid playing a beautiful moment without a big drop. Some comments called it “boring.” That saddened me: music shouldn’t just be about hype and viral moments. I still believe that art should come first.

Hannes Bieger continues to amaze with his authentic approach to music and his unique artistic vision. “Galaxies” is a testament to his talent and his desire to constantly explore new sonic horizons.

Whether it’s an orchestra or a dancefloor, his musical journey has only just begun.