Martina BalloccoSKALA, artista tedesca di base a Berlino, ci apre le porte del suo universo artistico in questa prima intervista del 2025 di Parkett.
SKALA è una producer da tenere sotto i radar per questo 2025. L’artista, nata vicino Düsseldorf ma di base da diverso tempo a Belino, ha una capacità fuori dal comune in quella che lei definisce “eSKALAtion“, giocando con il suo nome artistico. La musica di SKALA è infatti un crescendo emotivo che va a toccare frequenze inconscie che riverberano con forza nel profondo. La sua formazione classica, unita a un sapiente uso delle percussioni organiche, crea una dinamicità musicale che spazia tra colori differenti e in cui suoni più glitch, linee di groove incisive e il tratto naturalmente più melodico si mescolano in una naturalezza giocosa, elettrizzante.
Non è un caso che Dixon l’abbia assolutamente voluta come protagonista in uno dei Various Artist Innervisions e che label come Stil vor Talent e Radikon abbiano voluto le sue produzioni, vivide di un contrasto affascinante, nel loro catalogo. Nel 2023, SKALA ha ampliato la sua influenza nell’industria musicale co-fondando l’etichetta Amaeo insieme al compagno Theologos, costruendo la propria identità in maniera sempre più netta.
SKALA è una che ha le idee molto chiare sia sul proprio identikit sonoro che sull’industria, dandoci la sua visione onesta e sincera di tanti meccanismi da ripensare, su cui iniziare a porre un occhio critico e non accondiscendente. Per tutte queste motivazioni, questa prima intervista del 2025 su Parkett non poteva avere una migliore ospite. Buona lettura!
Ciao SKALA, benvenuta su Parkett, è un piacere averti con noi. Vorrei iniziare questa chiacchierata chiedendoti cosa ha significato il 2024 nel tuo percorso artistico?
Grazie per avermi ospitato! Il 2024 è stato un anno interessante, sicuramente pieno di contrasti. Da un lato, il mio programma era pieno di show, il che è stato molto divertente e ha portato tantissima energia. Dall’altro, mi sono ritrovata a riflettere su dove voglio portare la mia musica in un futuro prossimo. La scena si evolve così rapidamente e, anche se non credo nell’inseguire le tendenze, è importante continuare ad evolversi e a sfidare me stessa. Quest’anno ho passato meno tempo a finire le tracce e più tempo a sperimentare nuove attrezzature e idee. Questo processo è stato creativamente entusiasmante e non vedo l’ora di vedere dove porterà nei prossimi mesi.
La tua storia inizia da Düsseldorf in Germania: quali sono state le realtà clubbing che hanno influenzato il tuo background musicale e contribuito a formare la tua identità artistica?
Düsseldorf aveva un mix di scene che hanno plasmato le mie prime esperienze con la musica elettronica. Il Salon des Amateurs era un luogo davvero unico e il Kiesgrube, prima che si trasferisse, aveva un’atmosfera che risaltava davvero. La scena era un po’ più mainstream rispetto a quella berlinese, con molta Tech House e grandi nomi di passaggio come Loco Dice, Marco Carola e Carl Cox. Nonostante ciò, l’energia di quelle notti mi ha impressionato moltissimo. È lì che mi sono innamorata della musica elettronica e ho iniziato a sviluppare il mio senso delle sue possibilità.
Il tuo ultimo lavoro “Eclipse” è uscito su Stil Vor Talent e presentandolo lo hai definito appartenente ad un genere “Future Afro”. Cosa intendi esattamente con questo termine e credi che questa definizione possa essere applicata al tuo sound in generale?
“Future Afro” è il mio modo di descrivere una miscela di groove Afro House e percussioni organiche con texture glitch, distorsioni pesanti ed elementi futuristici più sintetizzati. Adoro il contrasto tra il terreno e il meccanico, l’organico e il digitale. Mentre non tutte le mie tracce rientrano in questa categoria, è una direzione che mi risuona davvero. È emozionante oltrepassare i confini e lavorare per creare qualcosa di fresco e distintivo.
Lo scorso 24 novembre hai curato lo speciale programma radiofonico Keinemusik, che racconta bene la capacità del tuo sound di mantenere un groove ipnotico e accattivante. Che rapporto hai con il roster di Keinemusik e come hai pensato a questo set per questa occasione speciale?
Conosco musicalmente i Keinemusik da oltre un decennio e il loro suono è sempre stato fonte di ispirazione. Anche se ho avuto solo brevi contatti personali con Adam Port, l’opportunità di curare il programma radiofonico era qualcosa a cui non potevo rinunciare. Ci è voluto un po’ di tempo per realizzarlo – abbiamo iniziato a pianificare nel 2022 – ma penso che quel tempo ci abbia permesso di renderlo davvero speciale. Per il set, volevo allinearmi alla loro estetica ipnotica e groovy mantenendo intatta la mia identità.
Nella tua musica la parte emotiva assume senza dubbio una dimensione importante. Se dovessi scegliere le tre emozioni principali che ti ispirano e vuoi evocare con la tua musica quali sarebbero?
Dico sempre che i miei set riguardano “eSKALation”, che significa davvero sperimentare l’intera gamma di emozioni. La musica dovrebbe essere un viaggio, non limitato a uno o due sentimenti. Se dovessi scegliere, direi che per me spiccano l’euforia, l’introspezione e la connessione. Ma onestamente, è l’equilibrio delle emozioni che rende la musica così potente: può sollevarti, radicarti o aiutarti a elaborare qualunque cosa provi in quel momento.
Altre tappe importanti nella tua carriera includono la tua presenza come donna nella compilation Innervisions. A proposito, pensi che oggi ci sia una reale parità di genere all’interno dell’industria musicale e hai incontrato difficoltà o ostacoli durante il tuo percorso artistico?
Si, e vale la pena notare che da allora ci sono state più donne nelle compilation di Innervisions, il che è bello da vedere. Penso che l’industria stia facendo progressi, ma abbiamo ancora molta strada da fare prima di raggiungere una vera uguaglianza di genere. Ci sono stati miglioramenti, ma rimangono sfide sistemiche, e sono state molto evidenti nel mio viaggio.
Come produttrice donna, sono stata messa in dubbio molte volte. Mi è stato chiesto apertamente chi sia il mio ghost producer, come se l’idea di una donna che crea la propria musica fosse difficile da credere. I tecnici e persino altri DJ hanno fatto di tutto per spiegare come funziona l’attrezzatura senza che io lo chiedessi, supponendo che non ne avessi la conoscenza. È frustrante e inutile, soprattutto quando hai passato anni a padroneggiare il tuo mestiere. C’è anche il livello aggiuntivo di dover gestire attenzioni indesiderate. Come molte donne, ho ricevuto messaggi inappropriati semplicemente per il fatto di esistere in questo spazio.
E sebbene ci siano alcune piattaforme ed eventi fantastici che sostengono le donne, sono stata prenotata per formazioni tutte femminili o “palchi femminili” che non si allineano con il tipo di musica che suono, esclusivamente in base al genere. È limitante perché può sembrare di essere inscatolata come un simbolo piuttosto che essere vista per il mio talento artistico. Detto questo, ho visto dei progressi negli ultimi anni. Le conversazioni su rappresentanza e uguaglianza avvengono più spesso, e questo è importante. Ma dobbiamo continuare a spingere per un mondo in cui gli artisti siano bookati, celebrati e rispettati per il loro talento, indipendentemente dal genere.
Un tema che so che ti sta a cuore è anche quello del sostegno tra artisti e della creazione di una piattaforma dove ognuno possa sopravvivere grazie alla propria parte. Secondo te come potrebbe evolversi oggi il mercato per essere più democratico e che ruolo ha il pubblico in questo?
I social media hanno creato straordinarie opportunità per gli artisti di connettersi con il pubblico, ma non sono l’unica misura del talento o del potenziale. Anche se è vero che un forte seguito può aiutare con la visibilità, fare troppo affidamento su questi parametri può limitare la varietà di artisti bookati. Penso che sia importante per i promoter trovare un equilibrio. I numeri possono far parte del quadro, ma non dovrebbero superare la musica stessa. Dopotutto, anche prima dei social media, i club e i festival registravano il tutto esaurito semplicemente perché la gente amava il suono e l’energia degli artisti.
I promoter svolgono un ruolo fondamentale nel plasmare la scena e, se si concentrano solo sull’ingaggio di artisti con grandi numeri, perdono l’opportunità di presentare nuovi talenti al pubblico che potrebbe innamorarsi della loro musica. Anche il ruolo del pubblico è importante, ma per loro non è possibile scoprire nuovi artisti se non viene data loro la piattaforma per brillare. Ecco perché credo che i promoter dovrebbero puntare a un equilibrio: sì, considerare la visibilità, ma anche correre dei rischi nel curare le lineup basate sul suono e sulla creatività. Una scena vibrante dipende dalla diversità e dal dare agli artisti di talento lo spazio per crescere, indipendentemente dal numero attuale di follower.
Con la nascita della vostra etichetta “Amaeo” tu e il tuo socio Theologos siete riusciti a rappresentare con forza la vostra idea di musica. In che direzione si sta evolvendo la label e che lavoro state facendo per mantenere un marchio riconoscibile?
Amaeo si occupa di pubblicare musica che sia fresca, creativa e un po’ fuori dagli schemi. Siamo attratti dagli artisti che non hanno paura di correre rischi o sperimentare. Allo stesso tempo, diamo la priorità a rimanere in contatto con la nostra community: non si tratta solo di pubblicare brani, ma di creare un senso di appartenenza ed esplorazione creativa. Vogliamo che Amaeo sia una piattaforma per la musica che ispiri e sorprenda, anche se non fa parte del mainstream.
Vivi a Berlino, credi ancora che Berlino rappresenti il centro ed il “place to be” per un artista?
Berlino è ancora una grande città per creatività e connessione. È una città che prospera grazie alla reinvenzione, ed è questo che la rende così emozionante. Sebbene la scena sia cambiata, soprattutto con la chiusura di alcuni club post-COVID, sembra ancora un luogo in cui emergono nuove idee e suoni. Adoro anche la cultura della pista da ballo qui: niente tavoli VIP, niente telefoni, solo persone che si riuniscono per ascoltare la musica. Questo tipo di energia è rara e speciale.
Parlando di progetti futuri, a cosa lavorerai SKALA il prossimo anno?
Ho deciso di concentrarmi maggiormente sulle collaborazioni nel 2025. Recentemente ho avviato alcuni progetti comuni e mi sono resa conto di quanto mi mancasse quello scambio creativo. Lavorare con gli altri porta una nuova prospettiva ed energia, ed è qualcosa che voglio esplorare di più nel prossimo anno.
Ultima domanda. Cosa speri per te stessa nel futuro e cosa ti auguri per il mondo della musica elettronica in generale?
Per quanto mi riguarda, spero di trovare finalmente il tempo per un album: è un mio grande obiettivo. Voglio anche continuare a crescere come artista e trasformare Amaeo in un’etichetta che sia sinonimo di creatività e autenticità. Per il mondo della musica elettronica, la mia speranza è che continuiamo a unirci come una comunità che valorizzi la diversità, la connessione e la pura gioia della musica.
ENGLISH VERSION
SKALA, a German artist based in Berlin, opens the doors of her artistic universe to us in this first interview of 2025.
SKALA is a producer to keep under the radar for this 2025. The artist born near Dusseldorf but based in Berlin for some time has an uncommon ability in what she defines as “eSKALAtion”, playing with her artistic name. SKALA’s music is an emotional crescendo that touches unconscious frequencies that reverberate strongly deep inside. His classical training combines a skilful use of organic percussion, a musical dynamism that ranges between different colors and in which more glitchy sounds, incisive groove lines and the naturally more melodic trait mix in a playful, electrifying naturalness.
It is no coincidence that Dixon absolutely wanted her as the protagonist in one of the Various Artist Innervisions and that labels such as Stil vor Talent and Radikon wanted her productions, vivid with a fascinating contrast. In 2023, SKALA expanded her influence in the music industry by co-founding the Amaeo label together with partner Theologos, building his own identity more and more clearly.
SKALA is someone who has very clear ideas both about her own sound identikit and about the industry, giving us her honest and sincere vision of many mechanisms to rethink, on which to start placing a critical and non-condescending eye. For all these reasons, this first interview of 2025 on Parkett could not have had a better host. Happy reading!
Hi SKALA, welcome to Parkett, it’s a pleasure to have you with us. I would like to start this chat by asking you what 2024 has meant in your artistic journey?
Thank you for having me! 2024 has been an interesting year—definitely full of contrasts. On the one hand, my schedule was packed with shows, which was a lot of fun and brought so much energy. On the other, I found myself reflecting on where I want to take my music next. The scene evolves so quickly, and while I don’t believe in chasing trends, it’s important to keep evolving and challenging myself. I spent less time finishing tracks this year and more time experimenting with new gear and ideas. That process has been creatively exciting, and I’m looking forward to seeing where it leads in the coming months.
Your story starts from Dusseldorf in Germany: what were the clubbing realities that influenced your musical background and contributed to forming your artistic identity?
Düsseldorf had a mix of scenes that shaped my early experiences with electronic music. Salon des Amateurs was such a unique venue, and Kiesgrube—before it moved—had a vibe that really stood out. The scene leaned a bit more mainstream than Berlin’s, with a lot of Tech House and big names like Loco Dice, Marco Carola, and Carl Cox passing through. Even so, the energy of those nights made a huge impression on me. That’s where I fell in love with electronic music and began developing my own sense of its possibilities.
Your latest release “Eclipse” came out on Stil Vor Talent and by presenting it you defined it as a “Future Afro” genre. What exactly do you mean by this term and do you believe this definition can be applied to your sound in general?
“Future Afro” is my way of describing a blend of Afro House grooves and organic percussion with glitchy textures, heavy distortion, and more synthesized, futuristic elements. I love the contrast between the earthy and the mechanical, the organic and the digital. While not all my tracks fall into this category, it’s a direction that really resonates with me. It’s exciting to push boundaries and work towards creating something fresh and distinctive.
Last November 24th you curated the special Keinemusik radio show, which speaks well of the ability of your sound to maintain a hypnotic and captivating groove. What relationship do you have with the Keinemusik roster and how did you think of this set for this special occasion?
I’ve known Keinemusik musically for over a decade, and their sound has always been an inspiration. While I’ve only had brief personal contact with Adam Port, the opportunity to curate the radio show was something I couldn’t pass up. It took a while to make it happen—we started planning in 2022—but I think that time allowed us to make it really special. For the set, I wanted to align with their hypnotic and groovy aesthetic while keeping my own identity intact.
In your music the emotional part undoubtedly takes on an important dimension. If you had to choose the three main emotions that inspire you and you want to evoke with your music what would they be?
I always say my sets are about “eSKALAtion,” which is really about experiencing the full range of emotions. Music should be a journey, not limited to just one or two feelings. If I had to pick, I’d say euphoria, introspection, and connection stand out for me. But honestly, it’s the balance of emotions that makes music so powerful—it can lift you up, ground you, or help you process whatever you’re feeling at the time.
Other important milestones in your career include your presence as woman on the Innervisions compilation. Speaking of which, do you think there is real gender equality within the music industry today and have you encountered any difficulties or obstacles during your artistic journey?
Yes, and It’s worth noting that there have been more women on Innervisions compilations since then, which is great to see. I think the industry is making progress, but we still have a way to go before achieving true gender equality. There’s been improvement, but systemic challenges remain, and they’ve been very apparent in my own journey.As a female producer, I’ve been doubted many times. I’ve been asked outright who my ghost producer is, as though the idea of a woman creating her own music is hard to believe. Technicians and even other DJs have gone out of their way to explain how equipment works without me asking—assuming I lacked the knowledge.
It’s frustrating and unnecessary, especially when you’ve spent years mastering your craft.There’s also the added layer of dealing with unwanted attention. Like many women, I’ve received inappropriate messages simply for existing in this space. And while there are some fantastic platforms and events that champion women, I’ve been booked on all-female lineups or “female stages” that don’t align with the kind of music I play, purely based on gender. It’s limiting because it can feel like being boxed in as a token rather than being seen for my artistry.That said, I’ve seen progress in recent years. Conversations about representation and equality are happening more often, and that’s important. But we need to keep pushing for a world where artists are booked, celebrated, and respected for their talent—regardless of gender.
A topic that I know is close to your heart is also that of support between artists and creating a platform where everyone can survive thanks to their part. In your opinion, how could the market evolve today to be more democratic and what role does the public have in this?
Social media has created amazing opportunities for artists to connect with audiences, but it’s not the only measure of talent or potential. While it’s true that a strong following can help with visibility, relying too heavily on these metrics can limit the variety of artists being booked. I think it’s important for promoters to strike a balance. Numbers can be part of the picture, but they shouldn’t outweigh the music itself. After all, even before social media, we had sold-out clubs and festivals simply because people loved the sound and energy of the artists. Promoters play a critical role in shaping the scene, and if they only focus on booking artists with big numbers, they miss the chance to introduce fresh talent to audiences who might fall in love with their music.
The audience’s role is important too, but they can’t discover new artists if they’re not given the platform to shine. That’s why I believe promoters should aim for a balance—yes, consider visibility, but also take risks on curating lineups based on sound and creativity. A vibrant scene depends on diversity and giving talented artists the space to grow, regardless of their current follower count.
With the birth of your label “Amaeo” you and your partner Theologos have managed to strongly represent your idea of music. In what direction is the label evolving and what work are you doing to maintain a recognizable trademark?
Amaeo is all about releasing music that feels fresh, creative, and a little outside the box. We’re drawn to artists who aren’t afraid to take risks or experiment. At the same time, we prioritize staying connected to our community—it’s not just about releasing tracks but creating a sense of belonging and creative exploration. We want Amaeo to be a platform for music that inspires and surprises, even if it’s not part of the mainstream.
You live in Berlin, do you still believe that Berlin represents the center and place to be for an artist?
Berlin is still a great city for creativity and connection. It’s a city that thrives on reinvention, and that’s what keeps it so exciting. While the scene has changed—especially with some clubs shutting down post-COVID—it still feels like a place where new ideas and sounds emerge. I also love the culture of the dancefloor here: no VIP tables, no phones—just people coming together to experience the music. That kind of energy is rare and special.
In terms of future projects, what will you be working on next year SKALA?
I’ve decided to focus more on collaborations in 2025. Recently, I started a few joint projects and realized how much I missed that creative exchange. Working with others brings a fresh perspective and energy, and it’s something I want to explore more in the coming year.
Last question. What do you hope for yourself in the future and what do you wish for the world of electronic music in general?
For myself, I hope to finally make time for an album—it’s a big goal of mine. I also want to keep growing as an artist and building Amaeo into a label that stands for creativity and authenticity. For the electronic music world, my hope is that we continue to come together as a community—one that values diversity, connection, and the pure joy of music.